Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, op.25
Chausson francia zeneszerző volt, akinek ígéretes karrierjét 44 éves korában bekövetkezett korai halála rövidítette le. Jogi tanulmányának befejezése után a Párizsi Konzervatóriumban Massenet és Franck mellett kompozíciót tanulmányozott. Haláláig a Société Nationale de Musiquenél dolgozott - egy olyan szervezetnél, amely a francia zenét támogatja.
Kompozíciója outputja kicsi volt, de jelentős. Az egyik kiemelkedő mű a Poème hegedűre és zenekarra. Ezt az egyrészes műt 1896-ban tették közzé, a belga hegedűművész, Eugène Ysaÿe kérésére. Ez az orosz regényíró, Ivan Turgenev „A szerelem diadalmasának ” című filmjén ( Le Chant de l'amour triomphant ) alapul, amely két fiatal férfi történetét meséli el, akik beleszerettek ugyanabba a nőbe.
A darab sötét és komor hangulatban kezdődik, és a hegedű intim cadenza-szerű kijelentéssel lép fel. A zene hamarosan szenvedélyesebbé válik, és a hegedű rész lírai dallamok és virtuozikus részek érzelmi megjelenítésévé válik. Vincent P. Skowronski hegedűművész a következő tanácsokat adott a darab előállítását megkísérelő hegedűművészeknek:
„A Poème hosszú, nehéz és érzékien magával ragadó játékélmény, tehát annyi energiát kell megtakarítania. Töltsön annyi energiát, amennyit a kaleidoszkópos palettája képes kezelni, mert ritkán kap lehetőséget arra, hogy ilyen nagy mennyiségű hegedű pompával szabadon járjon. ”
Vadim Repin Chausson Poème-jét játszik
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - A láng növekvő
A Lark Ascending (1881) George Meridith verse, amely egy mennyei dalt éneklő égbolt meséjéről szól. Ösztönözte Vaughan Williams-t, hogy 1914-ben azonos nevű zenei darabot készítsen hegedűre és zongorára, majd 1920-ban restaurálta hegedűre és zenekarra. Ezt a darabot Marie Hall, a brit hegedűművésznek szentelték, aki mindkét változatot bemutatója volt. Azóta népszerű művé vált, különösen Nagy-Britanniában, ahol rendszeresen adják elő.
A zeneszerző a vers sorszámait pontozása közben idézi. A zene rendkívül idézője, és az impresionizmus vonásait mutatta. A pentaton skálák, módok és a szabadon folyó ritmusok olyan légkört teremtenek, amely szorosan kapcsolódik az angol tájhoz. Az első világháború idején összeállítva a zene derűssége ellentmondott az akkori helyzetnek. Ez a darab az angol stílus reprezentációjává vált abban az időben, amikor az ország megpróbálta létrehozni a nemzeti identitást.
Janine Jansen játszik Vaughan Williams A Lark Ascending című filmjében
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, op.40
A Danse Macabre, más néven a Halál Tánca, eredetileg hang- és zongoraművészeti dal volt, Henri Cazalis szövege alapján. 1874-ben Saint-Saëns hangversenyké alakította zenekar számára, kiemelkedő solo-hegedű résztel, amelyet általában a koncertmester játszik.
A zene tizenkét ismétlődő hangjelzéssel kezdődik a hárfából, jelezve, hogy az óra éjfél eltelte. Az solo hegedű ezután a tritonnal lép be - amelyet a zene gyakran ördögnek is hív, a nyitott húrokkal, amelyekben az E húr az E laposra ( scordatura ) van hangolva. A rejtélyes tánc témákat ezután a hangszer különféle részeire továbbadták, egyre növekvő intenzitással és energiával. A Dies Irae idézete - a temetésen általában meghallgatott igénylés - a darab közepén hallható. A vége felé a darab hirtelen megváltozik egy kakas varjúra emlékeztető obojmotívummal, amelyet egy nyugodt dallam követ az solo hegedű fõ kulcsában, ami azt sugallja, hogy a hajnal megszakad.
Saint-Saëns - Danse Macabre, 40. op
Leonard Bernstein (1918-1990) - Szerenád Platón szimpóziuma után
Bernstein Szerenádját Platón szimpóziuma után 1954-ben írták solo hegedűre, húrokra, hárfara és ütős hangszerekre. Ez ötheventes koncertnek tekinthető a hegedű számára. A szimpózium Platón filozófiai szövege, amely a neves férfiak egy csoportjának kitalált párbeszédet ábrázolt a szeretet témájában. Bernstein zenéjének minden szakaszát a szimpózium előadójaként nevezte el.
A Koussevitzky Alapítvány megbízta ezt a munkát, és Bernstein 1954-ben vezette a premiert Isaac Stern szólistával. Hihetetlenül nagy kihívást jelent mind a hegedűművészek, mind a zenekar számára a gyakran változó méter és a kiszámíthatatlan ritmikus mintázat miatt. Bernstein aprólékossága a partitúra egészében látható, az egyik legszebb koncerttermi művének tekintve.
Bernstein a következő megjegyzést írta a Szerenádjára:
I. Phaedrus – Pausanias (Lento – Allegro): Phaedrus lírai beszédekkel nyitja meg a szimpóziumot Eros, a szerelem istenének dicséretével. (A Fugato az egyéni hegedűvel kezdte.) Pausanias folytatja a szerető és szeretett kettősségének leírását. Ezt egy klasszikus szonáta-allegro fejezi ki, amely a nyitó fugato anyagán alapul.
II. Aristophanes (Allegretto): Aristophanes nem a bohóc szerepet játszik ebben a párbeszédben, hanem a lefekvés elbeszélõje helyett a szerelem mese mitológiáját idézi.
III. Erixymachus (Presto): Az orvos a testi harmóniáról mint a szerelmi minták működésének tudományos modelljéről beszél. Ez egy rendkívül rövid fugato scherzo, rejtély és humor keverékéből született.
IV. Agathon (Adagio): A párbeszéd talán a legmozgalmasabb beszéde, Agathon panorámaképe a szeretet hatalmának, báját és funkcióinak minden aspektusát magában foglalja. Ez a tétel egy egyszerű háromrészes dal.
V. Szókratész - alkídiák (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Szókratész a látnok Diotima látogatását írja le, idézve a szeretet démonológiájáról szóló beszédét. Ez az előző mozgások bármelyikénél nagyobb súlyú lassú bevezetése, és az Agathon-mozgás középső szakaszának fejlett megismétlését szolgálja, ezáltal rejtett szonáta-formát sugallva. Az Alcibiades és az ő részeg kinyilatkoztatói együttesének híres megszakítása az Allegro-ban, amely egy kibővített rondo, a szellemtől kezdve az izgatottságtól a jiglike tánczeneig, az örömteli ünneplésig. Ha van egy utalás a jazzre az ünnepségen, remélem, hogy nem anakronisztikus görög partyzeneként veszik figyelembe, hanem inkább egy kortárs amerikai zeneszerző természetes kifejeződését tükrözi az időtlen vacsora szellemében.
"A műalkotások szabályokat alkotnak; a szabályok nem készítenek műalkotásokat." - Claude Debussy
